ARTE DE ACCIÓN POR GABRIELA CADENA GUERRÓN

HAPPENING
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva.

FLUIDOS (1967)

Allan Kaprow (23 de agosto de 1927 - 5 de abril de 2006)

ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor de doscientos, fueron evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó «Actividades», relacionando íntimamente piezas para uno o varios jugadores y dedicados al examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una manera casi indistinguible de la vida ordinaria.

Estudió composición con John Cage en su famosa clase en la New School for Social Research, pintura con HansHofmann e historia del arte con Meyer Schapiro. Los trabajos de Kaprow intentan integrar el arte y la vida. A través de happenings, la separación entre vida y arte, el artista y el público se vuelve borrosa. Es célebre su frase «La línea entre el arte y la vida debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea posible»

 

"Fluidos"(Fluids en inglés) es uno de los happenings realizado por Kaprow en el año 1967 cuando equipos de voluntarios construyeron estructuras rectangulares de hielo por toda la ciudad de Los Ángeles.

Fluidos fue creado primero octubre de 1967 en varios lugares públicos en California. Con la ayuda de voluntarios, Kaprow construido varias estructuras que miden alrededor de 9 m de largo, 3 m de ancho y 2,4 m de altura, utilizando bloques de hielo como su material. Una vez en su lugar, estas estructuras de hielo fueron simplemente abandonados a derretirse. En su temporalidad y materialidad, el trabajo representa un desafío a la comprensión tradicional del arte en el espacio público.

 

  "Si bien hubo una versión inicial de fluidos, no es una obra original o permanente. Más bien, hay una idea de hacer algo y una huella física de esa idea. ... Fluidos continúa y sus reinvenciones multiplican aún más sus significados".

TORRE DE BABEL

 

Marta Minujín

(Buenos Aires, 1941) Artista argentina. Su obra, que se encuadra dentro de las tendencias informalistas, es de una notable originalidad. Su ¡Revuélquese y viva!, realizada con colchones multicolores, obtuvo el premio del Instituto Di Tella en 1964. En su obra posterior destaca El batacazo, una gigantesca estructura formada por materiales heterogéneos, tres docenas de conejos y centenares de moscas encerrados en una pared transparente, y el sonido de una cinta magnetofónica, que la artista presentó en Nueva York.

Marta Minujín (Marta Inés Minujín), nace en Buenos Aires, el 30 de enero de 1941. Es oriunda del barrio porteño de San Telmo. Siempre ha usado la frase "todo es arte", que sintetiza la concepción de la artista-creadora, convertida en el paradigma de su generación. Lo social se manifiesta en su obra como preocupación socio-contextual que presenta distintos matices: el humor, la crítica y la exaltación.

Realizó sus estudios en las escuelas nacionales de bellas artes de Buenos Aires. Presentó su primera exposición personal en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una beca del FNA que le permitió instalarse en París, donde participó en la muestra Pablo [Curatella] Manes y treinta argentinos de la Nueva Generación.

En París, comenzó a realizar estructuras habitables, cubiertas de colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos. En el baldío del Impasse Roussin, realizó La Destrucción (1963), su primer happening, para esta obra reunió todas sus piezas con colchones e invitó a un grupo de artistas a "destruirlas" (Christo, Élie-Charles Flamand, Lourdes Castro, Mariano Hernández y Paul Gette).

 

La iniciativa de la artista se enmarca en la designación de Buenos Aires Capital Mundial del Libro 2011 por parte de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).

"Con esta obra quise que, a pesar de que la integran libros de distintos idiomas, el lenguaje sea el mismo para todos. Es una obra de participación masiva, para que la entienda todo el mundo", dijo la creadora.

Más de 50 embajadas donaron unos 16.000 libros en idioma original, además de contar la artista con millares de aportes personales espontáneos.

"Esta Torre con ejemplares de todo el mundo unifica todas las razas. Consiste en una estructura helicoidal de siete pisos, recubierta con 30.000 libros en distintos idiomas y dialectos que nos recuerda la mitológica Torre de Babel de hace 4.000 años", dijo la artista.

 

 

SIMULTANEIDAD EN SIMULTANEIDAD.

THREE COUNTRY HAPPENING (1966)

 

    Realizado en conjunto con Michel Kaprow (desde New York, Estados Unidos) y Wolf Vostell (desde Colonia, Alemania). Instituto Torcuato Di Tella. Buenos Aires. Argentina.

    Cada uno de los tres artistas participantes crea un happening que los otros dos deben repetir en el mismo día y horario en sus respectivos países. El resultado de las acciones simultáneas se comunica a través del satélite "Pájaro Volador" a los tres países.

    La situación creada por Marta Minujin, "Simultaneidad en Simultaneidad", es un acontecimiento desarrollado en dos jornadas. En la primera jornada, 60 personalidades de los medios son invitados al auditorio del Instituto Torcuato Di Tella, donde son fotografiados, filmados y entrevistados a medida que ingresan a la sala, al tiempo que se los provee de una radio para que escuchen y se los ubica frente a un televisor para que vean durante todo el desarrollo del evento. Once días más tarde, las mismas personas regresan al auditorio donde ven las fotografías y films tomados el primer día proyectados sobre las paredes, escuchan sus entrevistas en los receptores radiales y en los altoparlantes del auditorio, y miran un programa especial dedicado al evento en los televisores. Al mismo tiempo, se realizan 500 llamados telefónicos y se envían 100 telegramas a espectadores que observan la grabación del evento transmitida por la televisión, con el mensaje "usted es un creador".

    El happening de Wolf Vostell consistió en colocar botellas de leche en 100 esquinas de la ciudad y pinchar una res vacuna con alfileres. El happening de Allan Kaprow consistió en cubrir un automóvil con crema y hacer que los integrantes de un grupo de rock lama la crema mientras del interior del automóvil salen jóvenes envueltos en papel de aluminio.

 

PERFORANCE

 

Es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

 

Marina Abramovic, nacida en 1946 en Belgrado conocida como la abuela del performance, es una artista Serbia que desde 1970 inicia su carrera como artista visual utilizando su cuerpo como el principal medio para generar la obra explorando la relación público- artista y los límites físicos y mentales de su cuerpo. En sus performances se ha sometido al dolor, el agotamiento, situaciones de peligro y transformaciones emocionales teniendo un contacto muy personal con el espectador, tanto el público como ella hacen y son la obra de arte.

Para su primer performance, Ritmo 10, utilizó un cuchillo y sus manos. En éste pasaba la punta del cuchillo por cada dedo y, cuando el cuchillo rozaba su mano y la cortaba, cambiaba de cuchillo, para ello empleó 20. Su performance fue grabado y cuando finalizó, lo observó para, en futuras ocasiones, volver a cometer exactamente los mismos errores.

 

 



 

 La muerte misma” (1997) Marina Abramovic y Ulay en esta pieza querían demostrar como el ser humano es capaz de absorber la vida del otro entonces unen sus bocas respirando el mismo aire que generan. En la pieza los dos caen inconscientes a los 17 minutos de estar haciendo esto.

 

Un artista no debería mentirse a sí mismo ni a otros.
Un artista no debería robar ideas de otro artista.
Un artista no debería corromper su obra por el mercado.
Un artista no debería matar a otro ser humano.
Un artista no debería convertirse a sí mismo en un ídolo.
El arte debe estar en relación con la vida amorosa del artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista - See more at: http://culturacolectiva.com/el-performance-de-la-muerte-de-marina-abramovic/#sthash.TkWsHmtF.dpuf

Ella escribió:
Un artista no debería robar ideas de otro artista.
Un artista no debería corromper su obra por el mercado.
Un artista no debería matar a otro ser humano.
Un artista no debería convertirse a sí mismo en un ídolo.
El arte debe estar en relación con la vida amorosa del artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.

 “Salto al vacio” (1960) Yves Klein empezamos con él ya que es uno de las obras más sonadas y antigua este artista francés uno de los más importantes figuras neo-dadaistas. En donde usa la fotografía como medio post-moderno haciendo un juego con el cuerpo y el espacio.

Esta obra conecta con la idea del artista de inmaterialidad y espacialidad. Así, el cuerpo del artista se integraba en el espacio cósmico mediante un salto que plasmaba la sensación visual de levitación. Esta idea de levitación espiritual obsesionaba a Klein, seguramente como resultado del ejercicio de las artes marciales y de su peculiar concepción del zen y de la cultura oriental. Esto, unido a las noticias sobre lanzamientos de naves espaciales a la conquista del espacio exterior, influyó, sin duda, para que Klein concibiese su particular manera de fundirse con “el mundo espacial de la sensibilidad inconmensurable”.

Para ello, Klein, como yudoca consumado y entrenado en la técnica e caer sin dañarse, realizó su acción en diversas ocasiones. Con ello, pretendía trascender su propia existencia terrenal. Su peculiar “miniserie” de Salto al Vacío comenzó el 12 de enero de 1960, al saltar a la calle desde un edificio de dos plantas. La hazaña se saldó con un tobillo torcido. El sabía que para plasmar artísticamente sus ideas sobre levitación no podía limitarse a realizar una acción entre unos pocos testigos. Por ello planeó la acción, una vez más, destinada únicamente a producir un documento fotográfico que atestiguase su singular acto. El artista se apostó sobre el tejado de una casa de siete metros de altura. Desde allí saltó con el afán de legitimar el primer “salto verdadero” y del que no se había producido documentación visual alguna.

Klein utilizó el formato de un períodico que colocó en distintos quioscos de París. Bajo el titulo de Teatro del vacío informaba, además de otras noticias, del salto de Klein. El periódico no sólo incluía la fotografía sino también un titular que decía: "¡Un hombre en el espacio", al que agregaba el subtitulo: "El pintor del esapcio se tira al vacío".

“ Re-enactments ” (2000) Francis Alys artista belga que vive y trabaja en la ciudad de México el cual se interesa por la influencia del arte e la vida de la ciudad. A trabajado en la Ciudad de México desde 1986, Alÿs es bien conocido por sus intervenciones urbanas ambulatoria en la que camina por las calles, a menudo en el Centro, el centro histórico de la Ciudad de México, lo que altera las operaciones diarias de la ciudad Espacios públicos. Como la mayoría de los artistas que trabajan con el rendimiento, Alÿs se basa en la documentación de sus actuaciones en directo - vídeos, fotografías, bocetos, notas, y similares - a exponer su obra en galerías, donde la mayoría de los espectadores se encuentran con el trabajo. Una obra muy polémica suya es donde va a una tienda de armas en el centro compra una pistola y empieza a caminar alrededor de la ciudad con la pistola en la mano hasta que es arrestado, al siguiente día convence a la policía que se involucre en este momento performatico.  

 

El guión era simple: él iba a comprar el arma y se mueven por las calles hasta que algo le ocurrió interrumpir. Rendimiento inicial de Alÿs, desde su primera comprensión de la pistola hasta su arresto, fue filmado por su colaborador, el artista Rafael Ortega, y este material se convirtió en la base para la reproducción de la actuación. Alÿs y Ortega replicar el rendimiento inicial del mismo día, un proyecto sólo es posible porque Alÿs logró evadir el castigo por su crimen. Alÿs pudo tanto negociar su liberación de la custodia policial - ostensiblemente a través del soborno, una práctica común en la negociación con la policía en la Ciudad de México - y persuadir a los funcionarios para participar en la puesta en escena de la segunda representación. En la recreación de la actuación, los policías actuaron sus papeles en la escena del arresto de Alÿs. Esta vez, sin embargo, Alÿs utilizó una pistola falsa y Ortega le dio un enfoque significativamente diferente a la filmación de la actuación. En el video de dos canales, el material de archivo de las actuaciones de Alys se yuxtaponen; la etiqueta "Real" y "Reconstrucción", que juegan a la vez, la comparación de las imágenes de la actuación inicial y su recreación.

 

BODY ART

Craig Tracy

Nacido y criado en Nueva Orleans, EE.UU, donde sigue viviendo actualmente. Se graduó con honores en el Instituto de Arte de Fort Lauderdale, y a los veinte años Craig era un ilustrador freelance profesional. Durante este tiempo fue sobre todo ilustrador para agencias de publicidad y casas editoriales, sin embargo ese tipo de trabajo no era el que él quería seguir haciendo. Por ello unos años después dejó la ilustración para aventurarse en el mundo de los murales, diseños para camisetas y casi cualquier tipo de superficie, algo en lo que ya tenía experiencia previa. Este cambio le supuso la libertad que necesitaba para realizar lo que realmente quería. Comenzó pintando en diversas superficies, hasta comenzar a pintar sobre caras y cuerpos enteros, algo con lo que se sintió muy cómodo, por lo que estuvo investigando y perfeccionando sus técnicas hasta llegar a realizar estas impresionantes obras en las que en las que se fusionan el body painting y la ilusión óptica.
Considerado como uno de los pilares en Bodypaintings, hoy Craig Tracy Bodypaints posee y opera la primera galería de arte en el mundo dedicado a las Bellas Artes imágenes bodypainted. Con un espíritu apasionado y pionero Craig personalmente conoce y educa a cientos de personas cada semana en la galería. La Craig Tracy Gallery está llena de impresionantes fotográficas, papel y tela espectaculares y hay numerosos vídeos del proceso y los libros que se centran en esta forma de arte.


 Inclement, una obra electrizante que expresa –bajo esos turbulentos colores fríos fusionados con tintes cálidos –el conflicto interno y externo del ser humano. En medio de esta dualidad representada principalmente por el marco, el faro en la pierna de la modelo nos da una cierta orientación y seguridad frente la tormenta.

 

 

Alexa Meade

Alexa Meade es  una joven artista plástica y visual que experimenta con la pintura, la instalación, la fotografía y el performance. Alexa, no sólo se dedica a dar vida a sus obras en un lienzo sino que interviene de manera directa los objetos e incluso a los humanos. Sus obras cobran vida, porque la tienen. El proceso creativo de ésta artista está estrechamente ligado al objeto o humano como tal, la creación de la atmósfera propicia para éste y la intervención del mismo, una vez luego la creación de la fotografía, es decir la ilusión materializada. Al fotografiar sus piezas experimenta con la bi y tridimensionalidad, que genera diferentes experiencias sensoriales en el espectador. Alexa interviene de manera tangible aquello que desea representar. Sus piezas son sumamente expresionistas, las pinceladas en la piel de la persona o el objeto son fuertes y decididas. Alexa Meade es una artista en crecimiento y formación de la que sin duda vale la pena conocer sus propuestas, en cuanto a composición, técnica y cromática, los invito a conocerlas.

 

 

"Leche: ¿qué vas a hacer de mí?" como una exploración de la fluidez de la forma y la profundidad de la percepción.

 

 

El primer paso en la transformación es borrar uno mismo.

La identidad es una enfermedad.

y hoy prefiero para mezclarse con mi lienzo.

estoy cansado.

hay una fuga en mi bote de remos y estoy listo a hundirse.

 

la otra noche, yo no me atreví a dormir en la preciosa calor del crepúsculo Zurich.

me dijo una oración por los poetas que vinieron antes de mí y tomó mi portátil en la luz del baño.

Yo estaba contento de no reconocer mi propia cara en el espejo.

el que esta chica era,

ella tenía los ojos de bienvenida,

y yo sentí una gran tristeza que no podía llegar a abrazarla.

entre ella y yo,

había una brecha preocupante.

y entre tú y yo,

existe una brecha preocupante.

estoy desapareciendo en ese espacio entre nosotros.

pero el primer paso de la transformación es borrar uno mismo.

la identidad es una enfermedad.

y hoy, prefiero para mezclarse con mi lienzo.

puedo sentirme

dentro de esta segunda capa de la piel.

no yo, sino un símbolo de mí.

plastificado con pintura plástica.

Confío en mis ojos, pero no puedo sentir el aire a mi alrededor.

soy un vacío del espacio,

una pizarra en blanco, una nada salvaje.

todo lo que ves es un reflejo de su propio conocimiento.

así que quién soy yo, según usted?

no soy yo.

soy otra persona de pie junto a mí.

desesperada por mi propia atención,

exigiendo a ser destruido.

¿y tu?

¿qué ves dentro de ese lienzo?

la mirada fija en sus sueños.

apoyarse en estrecha y el sujeto emerge.

se forma una figura,

flotando en el plano del cuadro¿quién soy yo, según usted?

y ¿qué vas a hacer de mí?

un pájaro no canta porque tiene una respuesta, él canta porque tiene una canción.

dar la vuelta para ver lo lejos que has llegado

y cantar su canción para mí.

La firma de estilo de Meade de retratos de pintura en el cuerpo se sumerge en un lienzo de la leche, donde el rendimiento de V y es dictada por las fuerzas opuestas de sombras fijas y espacio fluido. Juntos, los artistas componen una identidad expresiva para cada imagen, sino como la leche interactúa con el pre-arreglado pose, se forma una nueva identidad que debe ser constantemente re-imaginado y re-forma en el momento. A medida que la pintura se filtra de distancia en la leche, el rendimiento de V y debe cambiar continuamente para adaptarse a su nuevo contexto y la forma, mientras que la fotografía de Meade debe capturar los momentos efímeros antes de-materializan. El resultado es un retrato en constante evolución, basada en el tiempo, que incluye todas las capas del proceso dentro de cada cuadro consecutivo. Cada nueva identidad visual es un producto de las versiones que le precedieron.

La superficie de la leche se cruza con el cuerpo de V y en un plano irregular e inusual, creando una sensación de movimiento y profundidad bajo su forma comprimida. Este juego de dimensionalidad en el plano de la imagen evoca una ilusión óptica que activa la experiencia del espectador al cuestionar sus percepciones comunes. La identificación se convierte inefable, dando la fotografía plana del espacio tridimensional pintado un tono inquietante. Mediante la combinación de las fronteras entre el sujeto y su entorno, la identidad está en silencio y nos quedamos con los matices destilados que dan forma al espacio.

 

 

Instalación

 Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.

 

Tape Vienna de For Use/Numen

Una de las propuestas más sorprendentes presentadas durante la Semana del Diseño de Viena de 2009 fue una telaraña de 14 kilómetros y 30 kilos diseñada por el colectivo Numen/For Use como instalación parasitaria que invade ubicaciones arbitrarias. El trabajo, hecho con 270 rollos de cinta adhesiva transparente, es elástico y flexible, pero al mismo tiempo tan sólido que puede soportar el peso de varias personas en su interior. De hecho, más que como escultura está concebida comouna forma de arquitectura orgánica, una transformación que se produce en el momento en que el público entra en la estructura.

Numen/For es colectivo de diseño que ejemplifica con su trabajo hasta donde puede llevar la creatividad e invención de las personas al momento de hablar de interacción. Desde 1999, se ha dedicado a darle a la creatividad, una nueva forma de fugarse de lo habitual y volverse algo extraordinario.

Han montado escenografías, creado siluetas a nivel diseño industrial y lo más impresionante: han hecho una serie de instalaciones con materiales creados por ellos mismos (o usados por primera vez de cierta forma con sus instalaciones) que hacen que un momento cultural se vuelva una experiencia vivencial.

 

Knitting is for Pus**** de Agata Olek

Hace tiempo mucha gente pensaba que el ganchillo solo servía para hacer mantas y suéteres de abuela, pero desde que con el movimiento Street crochet empezó a tomar las calles del mundo entero, está claro que el límite de este arte es la imaginación. Llevada por el entusiasmo de esta moda, la artista polaca residente en Brooklyn Agata Olek trabajó con sus agujas como una loca en 2010 para llenar de ganchillo multicolor cada centímetro cuadrado de una habitación en la Galería Christopher Henry de Nueva York. Pero, siguiendo la filosofía del Street crochet, Olek no se conformó con las cuatro paredes de la galería. Se les entregó un mapa a los visitantes para que pudieran encontrar objetos recubiertos de ganchillo que habían sido esparcidos por toda la ciudad, incluyendo coches o personas. Su obra, que parte de una concepción de la vida y el arte como inseparables, propone «tirar del extremo del hilo y desentrañar la historia que hay detrás del ganchillo».

Olek nació en Polonia, como Ágata Oleksiak en el año 1978, después de completar su BA en Estudios culturales por la Universidad Adam Mickiewicz, Polonia, se mudó a la ciudad donde actualmente reside y trabaja, Nueva York.

El trabajo de Olek ha sido exhibido en galerías, museos y espacios públicos alrededor del mundo, apareciendo en numerosas ocasiones en publicaciones y medios tales como The New York Times, New York Magazine, Artforum, TimeOut New York ,TIME Magazine, The Wall Street Journal, ARTINFO, The Huffington Post, Newsweek, The Daily Beast, Village Voice, CNN, ABC News, CBS News y NBC News.

Olek ha recibido numerosos premios incluyendo el premio Ruth Mellon de Escultura en el 2004, el premio In Situ Artaq (Francia) en el 2011 y una beca en el 2011 de el Lower Manhattan Cultural Council (LMCC) por sus performances en espacios públicos

 

EL CANAL DE LA LLUVIA

 Pocos artistas han hecho tanto por convertir la comida en arte como Sam Bompas y Harry Parr desde que en junio de 2007 fundaran la compañía Bompas & Parr. Entre otras cosas se hicieron conocidos por sus esculturas hechas de gelatina o por haber hecho realidad el chicle de sabor cambiante de Willy Wonka. Con motivo del lanzamiento de truvia, un edulcorante sin calorías sustituto del azúcar, diseñaron una instalación promocional en la azotea del edificio Selfridges en Oxford Street. En ella los visitantes podían remar por un canal de agua verde mientras tomaban un cóctel y disfrutaban de las vistas aéreas del centro de Londres. Una experiencia, cómo no, digna de Willy Wonka.

 

Bompas & Parr

 

La experiencia conjunta de los alimentos y la arquitectura es fundamental para el trabajo Bompas y Parr, a partir de los modelos de la jalea de edificios como la catedral de instalaciones de caminar a través de San Pablo ", donde comida en realidad se convierte en un reino habitable espacializado", como Bompas pone. "Comenzamos haciendo formas arquitectónicas en los alimentos y ahora trabajamos con los alimentos a escala arquitectónica", dice. "Un buen ejemplo de esto es la reciente Zigurat de sabor, una gran estructura piramidal donde las personas inhalan el equivalente a una pieza de fruta con sólo mover a través del espacio."

Este tipo de gran escala la arquitectura experimental de comida no tiene precedentes, y Bompas habla con reverencia de pioneros como Alexis Soyer, "una versión victoriana de Jamie Oliver ... [que] también creó restaurante más fantástico del mundo, que incluye cuevas de hielo con zorros disecados, espejo cámaras ... y una gruta que había que ir a través de una cascada de entrar ", y millonario estadounidense George Kessler, que, para un banquete en 1905, inundó la explanada del londinense Savoy Hotel, abastecido con pescado y cisne, y servido comida a los invitados de "una góndola forrado de seda iluminada por cuatrocientas lámparas venecianas y decorado con doce mil claveles. El postre se sirve a partir de la parte posterior de un bebé elefante ".

Mientras Bompas y Parr se inspiran en estas experiencias culinarias escandalosas, no están interesados ​​en el nivel de exclusividad. "Queremos cortar el nudo gordiano de la pretensión [alrededor de la comida y el arte] y crear experiencias que todos puedan disfrutar." Un ejemplo: el Gum Fábrica Artesanal Masticar, un pop-up "micro-fábrica" ​​en un centro comercial de Londres, visitantes permitidos para hacer su propia goma mezclando sabores oscuros como el iris, trufa blanca, curry y la levadura de cerveza. Costo Participación tan poco como 2,50 £, líneas extendía por millas y niños formado por una proporción significativa de los clientes. La presencia de estas mentes jóvenes maleables fue particularmente emocionante para Bompas. "La mayoría de nuestras instalaciones tienen alcohol también lo son fuera del alcance de los niños", dice. "Ellos se volvieron locos por la fábrica, sin embargo, con muchos padres de intimidación para hacerles venir."

 

 

 

 

Luigi Stornaiolo (Quito, 1956)

 

Su vasta trayectoria en la pintura ha estado marcada por numerosas exposiciones individuales, desde 1980 hasta el presente, en galerías de arte del mayor prestigio en Quito, Cuenca, Guayaquil, Loja y en el extranjero en ciudades como Melbourne y Victoria (Australia), Buenos Aires, Lima y otras.
Ha participado en representación del país en las bienales de Sao Paulo, Venecia, Cuenca y Trujillo. En 1986 le fue concedido el Primer Premio en el V Concurso Nacional de Caricatura y en 1988, el Primer Premio en el Salón Mariano Aguilera, Quito

Muestra (Diciembre 2007)


La pintura de Luigi nos recuerda de golpe que esa falta de referentes, esa ausencia de rostros y de miradas, tiene implicaciones macabras. Repetir el paisaje no tiene sentido si ese paisaje no repite –deja ver– la subjetividad de un discurso.  Repetir es la operación predilecta de la búsqueda de sentido. En el contexto de una obra de más treinta años como la de Stornaiolo, repetir esos autómatas grupos orgiásticos, sacarlos de la Mariscal y ubicarlos en el contexto del paisaje natural implica al menos dos variaciones significativas: en primer lugar, se asume que esos grupos siguen siendo la preocupación central de la obra pero no son ya representantes anodinos de lo urbano moderno, de la sexualidad y la muerte, sino que son poderes terratenientes. Éstos grupos han naturalizado –léase esencializado- su relación con el territorio, son la muerte misma. Acuden a morir en un spa o se fugan en una balsa abarrotada, en un océano intemporal…